AD News｜第61届威尼斯双年展开幕在这些城市场馆与灵感相遇！永利皇宫- 永利皇宫官网- 娱乐城APP

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　　作为上海大新天地片区城市综合开发的重要组成部分，由著名设计公司Kokaistudios倾力打造的“新天地东台里”于2025年12月正式启幕。项目坐落在淮海路以南、太平湖以东，融汇了喇格纳小学与章太炎故居两处历史保护建筑。整体规划包含地上及地下总计近9万平方米的商业空间，并与KPF设计的三栋办公塔楼有机衔接。项目摒弃了传统的封闭式商业形态，以“全维度社区”为核心规划理念，通过建筑、室内与景观的一体化设计，将商业体量分解为包括裙房在内的五座建筑，围合出宜步宜憩的开放式步行网络和公共空间，完美重塑了兼具历史底蕴与现代都市气息的包容性环境。

　　街道层为沉稳的商业基座领域，上层则是开放的生活方式空间。“重与轻”的材质组合不仅强化了功能的分界，也通过当地传统材料的重新演绎与丰富的触感体验塑造出街区独特的建筑标识性。

　　设计团队在空间细节与材质表达上巧妙融入“上海故事”的文化叙事。建筑立面采用“重与轻”的对比手法，1至3层运用重在转译传统水刷石质感的预制混凝土板，上层露台则包覆以轻盈的金属格栅随光线变化呈现出微妙的光影流转，为屋顶轮廓注入现代感。室内空间则通过夯土涂料、高精细度水刷石以及香槟金金属格栅的垂直延伸，层层展现从老上海、黄金时代到活力当代的城市沿革。此外，设计巧妙地将消防规范要求的防火卷帘立柱转化为极具美感的艺术装置亮点。新天地东台里将建筑创新、文化叙事与社会价值深度有机融合，为上海的城市更新树立了以社区为核心、包容共生的全新范式。

　　Kokaistudios以材质为笔触，在垂直空间中谱写出一幕层层展开的“上海故事”。在日新月异的城市图景中，它不仅为人们创造了日常邂逅的契机，更在“全维度社区”的愿景下，营造出层次丰富的空间体验。

　　在第61届威尼斯国际艺术双年展期间，中国艺术家丁乙将于奎里尼·斯坦帕利亚基金会 (Fondazione Querini Stampalia)呈现大型个展“宇宙技艺：丁乙的行星代码”(Cosmotechnics: Ding Yi as a Planetary Code)，展出的一系列全新创作与代表性早期作品，完整梳理其艺术语言的演进历程；同时展出的一组石材雕塑新作将展览锚定为一处反思与仪式之地，唤起人们对中国与欧洲古代遗迹的记忆。展览由阿尔弗雷多·克拉梅罗蒂 (Alfredo Cramerotti)与奥荣达·斯卡莱拉 (Auronda Scalera)共同策展，标题源自哲学家许煜 (Yuk Hui)提出的概念“宇宙技术”(Cosmotechnics)。展览场域斯卡帕空间 (Area Scarpa)被转化为一片沉思的图像之林，遍布其间的作品如同一种“行星代码”，展陈布局构筑出一条回游式的观展动线，令人联想起移步换景的中国传统园林。此次展出的全新单色作品是一种结构性的抉择，如同一段清除了可感知噪音的音区，使间奏与节律变得清晰可辨。

　　十二件相同尺幅的木板绘画阵列将空间整合为一种肃穆的虚空，邀请观者进入静默的冥想与漫游。

　　“宇宙技艺”中展出的十二件黑白画作既是绘画，也是当代碑刻，它们如星群般排列在展厅中，营造出一种冥想式的环境，邀请观众放慢脚步，从多个视角与每件作品交汇相遇。展览同时还呈现七件来自1980年代至2020年代的重要作品，共同勾勒出丁乙实践的蜕变轨迹，即从1980年代后期的严谨克制，到拓展至从城市到世界、乃至整个宇宙的创作视野，令绘画、雕塑与建筑在展览场域中交融互摄。两件石碑雕塑通过阴刻和浮雕呈现丁乙标志性的十示符号。这对纪念碑式的作品沉静、宏伟，将绘画置于更深的时间维度中。绘画及雕塑的整体呈现方式既是向中国碑林的致敬，也是对巨石阵等古迹的回望，从而引发关于记忆、延续性及精神性的思考，同时促使观众在“读碑”的体验中感受“共时性”的时间感，在同一时刻与历史和未来邂逅：从中国古代传统文明、到上海工业时代的集体记忆，再穿梭到由科技前瞻的未来世界。

　　这些坚硬、静止、沉默的图像碑并非遗迹，而是以当下的创作，对文明历史的视觉结构与时间刻度作出回应。

　　《间歇》在当今世界引发了深刻的共鸣，在日益复杂的环境中提供了一个反思的空间。

　　在第61届威尼斯双年展新加坡馆中，王良吟（Amanda Heng Liang Ngim）将历史悠久的Sale d’Armi展厅转化为一个休憩与观照的空间。呼应本届双年展《小调》（In Minor Keys）所主张的深沉内省与多元感知叙事，《间歇》通过一系列近乎日常的静观姿态——、等待与凝视——延展并提纯了艺术家持续三十余年的创作线索。展览融汇了艺术家早期的摄影作品与最新创作的动态影像，并结合量身定制的场内空间设计，深入探讨身体感知的延续、生命节奏的变奏，以及在当代高速语境下另一种存在的时间维度。新加坡馆经重新改造，宽度各异的阶梯式平台顺着建筑墙壁呈角度延伸，穿行于空间之中，最终止于窗台，将窗户转化为门道。这些空间尺度邀请观众采取多种休憩姿态。

　　王良吟与策展人叶佩玲（Selene Yap）共同展开一场趋于内敛的视觉陈述，以休憩、等待、注视为线索，细腻呈现艺术家在当前生命阶段中对时间流转与身体感知的深刻体悟。

　　《间歇》是一部通过在威尼斯和新加坡两地拍摄制作而成的双频道新视频作品。视频既捕捉了艺术家本人在新加坡的日常，也记录了威尼斯居民在家中及社区中的生活场景。作品采用实时拍摄、长镜头与静态画面，并利用自然光线，观察日常琐事如何本身成为一种停顿与重生的形式。摄像机保持稳定并跟随参与者的步调，让时间自然流淌。作品并非呈现可辨识的城市景观，而是关注宁静的角落与细微的动作，通过平凡生活的节奏在两座城市间寻找共通之处。《Parts of My Body》（1990年，2026年重印）呈现了王良吟身体的特写照片：手肘、肩部的曲线、背部的深邃、锁骨的凹陷。这些影像直接而朴素，将身体的片段孤立出来，将其转化为风景。此次展览中，作品以更大尺寸重新印制，并倚靠在展馆墙壁上。该系列反映了艺术家长期以来对身体如何承载身份、记忆与时间的探索。

　　王良吟将“休憩”转化为一种主动的、寻求平衡的生命姿态。在这一姿态中，身体不再仅仅是行动与劳作的载体，而成为与内在柔软、时间流逝以及生命持续更新进行深层对话的界面。

　　展览发掘历史碎片，探寻澳门文化根源，彰显包容与创新，探讨全球化下文化的流动与融合。

　　“雅古纳的复调”由策展人冯延及吴少英共同策划，联同澳门艺术家霍凯盛、柯智伟及李凤莹，将透过装置、绘画与影像作品，以“复调”叙事结构重新诠释清初画家、诗人兼天主教徒吴历跨越中西的创作轨迹与精神探索，探讨全球化语境下文化、信仰与精神的共振，呼应本届双年展主题“小调”（In Minor Keys）。展览透过这位跨文化先驱的个案，以户外空间连接四个室内展厅的层递布局，形成贯穿历史与当下的叙事闭环，以当代艺术语汇实现吴历当年未竟的欧洲之旅。展览发掘历史碎片，探寻澳门文化根源，彰显文化包容与创新，呈现澳门独特的多元文化底蕴与活力。

　　作品以递进布局形成闭环，搭建澳门与国际艺术界对话桥梁，引导公众思考跨文化身份定位。

　　作品《感叹的迁徙》中，艺术家李凤莹通过铝箔纸为载体对工作室建筑塑造模型，再以蜡烛附着其上，形成兼具脆弱与时间性的形态，表达时间流逝与精神迁徙的特质。艺术家透过作品在破碎的历史与当代记忆碎片中探寻连接可能，以此来呼应个体在文化迁徙中重获精神寄托的历程。作品《静默的游记》在呈现方式上，用竹钢材质构建屏风，再借由激光技术将绘画文本刻画在屏风之上。屏风的空间分隔功能不止单纯的物理区隔，而是构建起历史与当下、东方与西方的隐喻性边界。屏风特意开设4个象征“历史孔隙”的孔洞，霍凯盛通过AI技术将吴历真实或想象的轨迹绘画内容转化为动态影像。观众透过这一承载想象叙事的小孔，窥视吴历的另一层轨迹。作品《散曲》展示形式采用西方教堂三联画的经典形制，搭载三屏影像同步呈现。通过启动吴历的跨文化人生经验，叩问全球化语境下身份认同的多元可能性，以艺术实践回应文化互鉴的核心命题，最终实现对吴历精神遗产的当代启动与创造性延续。

　　“雅古纳的复调”延续澳门展区对本土历史脉络的深耕，同时以国际化语汇重新诠释跨文化议题。

　　双城展《他界之器》（Vessels of Other Worlds）正值陈世英七十华诞之际，作为艺术家迄今为止最具宏图的至为之作，展览由英国策展人詹姆斯·普特南（James Putnam）策展，呈现一系列全新的钛金属雕塑巨作，全面拓展陈世英艺术实践的空间维度与概念疆界。陈世英曾多次于威尼斯双年展期间举办展览——2021年和2022年在Fondaco Marcello分别呈现《钛坦》和《图腾》，2024年在慈悲圣母教堂于英国前卫音乐家布莱恩·伊诺（Brian Eno）音景中呈现《超越》。在此前成功的基础上，《他界之器》将开启艺术家创作生涯中又一勇毅新篇章。

　　这些作品不只是雕塑，更是物质通往非物质世界的门户——于威尼斯与上海之间、在细胞与身体之间、在小调与大调之间，生命涌现与超越的循环。

　　威尼斯展区呈现的三件钛金属雕塑，分别象征出生、成长与重生的生命三重阶段，其精致奇幻的形制借鉴了尼德兰大师希罗尼穆斯·博斯（Hieronymus Bosch）的《人间乐园》。展览的三重结构在慈悲圣母教堂内进一步延伸——在教堂主祭坛上，三面屏幕以三联画的形式构成一道隐秘的视觉通道，指向其对应的将于龙美术馆展出的巨型雕塑。这一视觉对话在两座城市不同的文化底蕴之间架起桥梁，两城皆因水而生，依水而兴；同时引发观众对有形与超验之间的思考，使雕塑的“存在”得以跨越空间与时间。在上海的龙美术馆（西岸馆），观众将邂逅同样的三件作品，分别高达七米、八米和十米。居中雕塑将设有一道门廊，邀请观者步入其中，体验其内部万花筒般的幻境。油壶身上为四组陈世英享誉世界的宝石雕刻技法“世英切割”（Wallace Cut），折射玄妙幻境。艺术家此前于威尼斯展出的《超越》（由布莱恩·伊诺创作音景），以及《钛坦》和《图腾》系列作品亦将同期呈现，由此构建起一场穿越双城、在概念与体验上彼此呼应的艺术对话。同时，威尼斯孔塔里尼宫螺旋楼梯（蜗牛府）（Scala Contarini del Bovolo）也将呈现展览《陈世英：觅空索思》（Wallace Chan: Mythos），由詹姆斯·普特南策展，沿塔楼螺旋结构展开，以另一维度延伸陈世英的雕塑语言。

　　陈世英的艺术实践长期以创新为驱动。他开创性地将钛金属这种与前沿科技紧密相关的材料运用于艺术创作，以其富有远见的创作理念，将工业材料转化为诗意而超凡的艺术形式。

　　香港与威尼斯的连结，不仅因为两者都是港口城市，更源于一种共通的气息将它们牵系在一起。

　　由香港艺术馆策展的“延音——香港在威尼斯”，透过香港艺术家伍韶劲和许开娇的作品，温柔展现日常生活下的诗意脉络。两位艺术家从香港丰厚的文化底蕴与独特的都市景观中汲取灵感，运用多种媒介重新诠释日常美学，为2026年威尼斯国际艺术双年展构思了一系列场域特定装置，同时也记录了这座不断变化的国际都会。展览回应由已故策展人Koyo Kouoh为第61届威尼斯国际艺术双年展所订立的主题——小调”(In Minor Keys)。两位艺术家聚焦于日常生活中常被忽略的轨迹，在创造新的相遇之际，也悄然改变我们感知熟悉事物的方式。他们更透过串联香港与威尼斯这两座遥远城市之间共通的能量与节奏，将彼此连结起来。

　　香港艺术家伍韶劲与许开娇首次展出最新场域特定装置谱写光、声效与动感的协奏曲。

　　在“延音——香港在威尼斯”展览中，伍韶劲的场域特定装置将平凡的都市与家居仪式转化为冥想般的体验，对城市脉络提出诗意的诠释。其中一件作品《晾晒夜曲》（Laundry Nocturne），灵感源自他在威尼斯所见的景象——楼宇之间悬挂的晾晒衣物，与他记忆中昔日香港随处可见的画面遥相呼应。在伍韶劲的艺术装置之间，观众将遇见一个由许开娇所创造充满想象力的场景。她鼓励人们留意那些常被忽略的物件——无论是邻居那扇被阳光晒得褪色的窗框，还是融入都市景观的日常塑胶袋。许开娇的作品既向香港的传统工艺致敬，也将其与当代艺术实践巧妙融合。在其装置《我为你打开一扇窗》（I Would Like to Open a Window for You）中，她展出一扇与本地传统铁匠合作打造的铁窗。通过邀请观众凝视那些稍纵即逝的细节，许开娇营造出亲密的相遇，揭示城市生活中宁静而潜藏的流动。

　　如同“延音符号”（Fermata）——一种由演奏者决定停留时间的音乐停顿——展览邀请观众放慢脚步，细细体会日常生活的微妙节奏，并留意那些构成城市中焦点、关怀与惊喜的微小细节。

　　不同于传统零售门店以商品陈列为核心，MUJI無印良品张园体验店围绕“家居生活方式”展开，通过真实生活场景的再现与互动体验，将品牌所倡导的良感生活融入百年历史街区的日常脉络之中。店铺沿用张园原有石库门建筑结构，一层入口处保留了里弄的在地特征，并引入上海淮海755旗舰店的古木元素，形成新旧交融的视觉起点。庭院内栽植树木与苔藓，将自然引入室内，构成一处可自在呼吸的停留空间。位于一层的Café MUJI同步运营，推出石库门造型冰淇淋、血糯米雪顶拿铁等限定饮品，为消费者提供休憩与交流的场所。这一层如同家的“玄关”与“客厅”，以开放姿态融入城市日常。沿楼梯步入二层，空间围绕四季更迭与节庆主题进行动态陈列，覆盖衣、食、住、行等多个品类，构建出一套连贯的家居生活提案。产品不再按照传统货架逻辑排列，而是融入真实的使用场景之中，借助原材料展示与互动体验，帮助消费者直观理解天然材料在日常生活中的应用。

　　MUJI以更贴近城市肌理的方式持续与上海发生联结，在不断焕新的消费场景中，与消费者共同书写关于家、关于日常、关于自然舒适生活的长期答案。

　　在护肤系列及香薰体验区，主展台以水稻装饰模拟稻田景观，拆解稻米结构，将糙米、米糠等成分以直观方式呈现。香薰区域设置复古气囊式闻香装置，轻按气囊即可感受植物香气的细微变化。这些细节共同指向居家生活中被常常忽略的感官体验——从清洁、护理到空间气味，构成每日居家仪式感的起点。服装区域空间左侧展示了汉麻从纤维到衣物的演变过程，顶部垂挂的麻布构成视觉背景，陈列架上为2025年「自然出新裁」汉麻新生力设计大赛的获奖作品。该系列以青年设计视角诠释汉麻材料，兼顾舒适度与可持续理念。作为整栋店铺的核心章节，生活家居体验区以真实居家场景为蓝本，分别呈现起居室、卧室及厨房等不同功能空间。各类家居良品被自然地置入其中，而非孤立陈列。消费者可以坐入沙发、拉开抽屉、触摸织物，亲身感受产品在实际使用中的功能与质感。这一区域还原了一个“可以住进去的家”，将MUJI对日常生活秩序、收纳逻辑与材质美学的理解，转化为可被直接体验的生活片段。

　　从原料到产品，从陈列到空间，MUJI张园体验店通过场景化的生活提案，将“感觉良好的生活方式”转化为一个个可以被观看、触摸、坐卧和呼吸的日常片段。

　　项目位于米兰 Largo Augusto 广场，步行即可抵达米兰大教堂与 San Babila 区域，坐落于一个由访客、设计师、策展人以及国际公众持续流动所构成的高密度城市环境中。©Atelier Meadow

　　《SHANGHAI IN MY MIND · 春日上海》由AD100 YOUNG获得者，Atelier Meadow事务所创始人、意大利设计师 Edoardo Nieri设计，是在米兰设计周（Fuori Salone）期间，对一座典型意大利街头报刊亭进行的临时性空间改造，使其转化为承载文化活动的城市微型展亭，亦是设计师在上海生活与工作十余年后与这座城市建立起的一种深层精神连接。

　　设计团队巧妙利用20平方米的微型空间，将开放式入口与展示上海艺术家作品的侧向通道相结合，通过窗向街道延伸展览，使原本局促的结构演变为一处吸引国际公众驻足、互动与交流的城市空间节点，在米兰核心地带构建起一座连接中意两国的文化对话桥梁。

　　淡绿色成为贯穿整个空间的核心色彩，从内部表面延伸至外部立面，在城市环境中建立起一种连续而温和的存在感。©Atelier Meadow

　　空间的视觉语言深度致敬了上海的城市底色。整体色调采用了大面积的淡绿色，灵感源自设计师对上海日常生活中无处不在、与城市节奏自然共生的绿化景观的深刻记忆，带有一种视觉上的平衡感、优雅感与内敛的精致气质。奶油白色则精准点缀于互动区域与艺术品陈列处，起到视觉引导作用。同时，上海市花白玉兰作为文化与季节性的象征，被置入米兰的城市语境，以其克制而优雅的姿态强化了两座创意都汇之间的情感连接。本次活动由上海市人民政府新闻办公室主办，上海设计之都促进中心承办，并获得了中国驻米兰总领事馆等多方机构的支持，通过这种既外向又含蓄的城市装置，精准传达了上海开放、从容且富有尺度的当代城市精神。

　　译出一种可以被感知的城市气质—优雅、从容、开放而有尺度，舒展却不张扬。正是在这种既外向又克制、既可见又含蓄的双重特质中，上海的城市精神得以被清晰辨识。